Ver 'Gego: Midiendo el infinito' en el Guggenheim

Gego (el nombre elegido por la artista Gertrud Goldschmidt) no se consideraba escultora, al menos no en el sentido tradicional. “Escultura: formas tridimensionales en material sólido”, escribió una vez en un diario. “¡NUNCA lo que hago!” En cambio, se consideraba una especie de dibujante tridimensional, cuya herramienta principal no era la masa, sino la línea.

Las líneas de Gego se muestran con un efecto deslumbrante en su actual retrospectiva en el Guggenheim de la ciudad de Nueva York. La muestra, que ocupa cinco de los seis pisos del museo (el sexto contiene una exposición de la escultora contemporánea Sarah Sze), cubre las cuatro décadas de la carrera del artista.

Gego no se convirtió en artista hasta la mediana edad. Nacida en Hamburgo, Alemania, en 1912, estudió arquitectura e ingeniería en la Universidad de Stuttgart, graduándose en 1938. En 1939, huyó de la Alemania nazi a Venezuela. Pasó la siguiente década trabajando como arquitecta y diseñadora, trabajando por cuenta propia para varias firmas y abriendo un taller de muebles. No fue hasta la década de 1950, después de divorciarse de su marido y conocer a su compañero de vida Gerd Leufert, un diseñador gráfico nacido en Lituania, que comenzó a dedicarse al arte a tiempo completo.

Las primeras piezas de la muestra son bidimensionales: una colección de dibujos, pinturas y grabados realizados cuando la artista tenía unos 40 años. Estos parecen, en su mayor parte, estudios más que obras terminadas; El poder de Gego residía en la intersección de la escultura y el dibujo, no en el dibujo en sí. En algunas de las piezas más convincentes, vemos la exploración temprana de la artista de líneas paralelas superpuestas, un motivo al que volvería una y otra vez a lo largo de su carrera.

En los años 60, Gego empezó a realizar sus visiones en el espacio tridimensional. Sus primeras esculturas son pesadas y geométricas: colecciones de planos que se cruzan, soldados entre sí y asentados sobre pedestales. Incluso en estas primeras piezas, como en sus dibujos, Gego evita las formas sólidas: los planos están compuestos de varillas de metal espaciadas uniformemente, que soldaba con la ayuda de trabajadores metalúrgicos.

Pero fue a finales de la década de 1960, después de una temporada en Estados Unidos, que Gego comenzó a desarrollar su distintivo lenguaje escultórico. Las gruesas varillas de metal de esculturas anteriores se convirtieron en delicados alambres que Gego podía manipular con la mano; las líneas paralelas se convirtieron en mallas. Las piezas ya no descansaban sobre pedestales sino que colgaban suspendidas del techo.

Estas nuevas exploraciones eventualmente evolucionarían hasta convertirse en la serie “Reticulárea”, ampliamente considerada como las obras maestras de Gego. Estos entornos inmersivos llenaron habitaciones; Los visitantes habrían podido experimentar los dibujos tridimensionales de Gego desde dentro.

La exposición del Guggenheim no contiene una de las “Reticuláreas” completas de Gego, que ella diseñó específicamente para sus sitios. (Los componentes de la última “Reticulárea”, instalada en Frankfurt en 1982, se perdieron durante el transporte). Sin embargo, al mirar fotografías de instalaciones pasadas, puedes imaginar cómo eran, o cómo te habrías sentido al caminar por ellas. una red, una constelación infinita.

En lugar de una experiencia totalmente inmersiva, obtenemos fragmentos del infinito: rejillas triangulares retorcidas, una estructura similar a un tipi colgando en el aire. En una hermosa pieza, la estructura de la cuadrícula se ve interrumpida por aberturas circulares espaciadas uniformemente, que recuerdan a los agujeros en una telaraña.

Aunque geométricas, estas piezas nunca son rígidas. Los cables, como las líneas de un boceto, oscilan; su espesor varía. Gego usó diferentes métodos para conectar los cables: a veces enrollaba los extremos de los cables entre sí; a veces usaba hardware. Estas intersecciones, que son más oscuras y densas que el resto de la pieza, atraen la atención del espectador a través del espacio.

Al igual que las redes, las piezas también mantienen el volumen sin dejar de ser transparentes. “Son esculturas que realmente van más allá de su espacio”, dijo a Observer Geaninne Gutiérrez-Guimarães, co-curadora de la muestra con Pablo León de la Barra. "Puedes ver a través de ellos el espacio que hay detrás y alrededor de ellos".

A lo largo de los años 70 y 80, Gego continuó haciendo riffs en la parrilla y, por supuesto, en la línea. En una serie, envolvió mallas de alambre en formas cilíndricas inspiradas en troncos de árboles; en otro, dobló la rejilla sobre sí misma, creando globos que cuelgan del techo como galaxias esféricas. En la serie Chorros, abandonó por completo la rejilla y utilizó el alambre para crear estructuras en forma de cascadas que caen locamente al suelo.

De hecho, Gego no era más que una innovadora implacable. Los últimos niveles de la exposición muestran las extrañas y variadas exploraciones de sus últimas décadas, como los acertadamente llamados Dibujos sin papel, una serie de “dibujos sin papel y sin marco”, como los llamó Gego, hechos de alambre, hardware y otros materiales. Al final de la muestra encontramos una colección de pequeñas esculturas llamadas Bichos y Bichitos: pequeños ensamblajes orgánicos elaborados a partir de materiales encontrados y fragmentos de otras esculturas.

Pero son las líneas de Gego y las redes que tejen las que brillan en este espectáculo. Para Gego, la línea era una marca, algo hermoso en sí mismo, pero también era un contenedor y un borde, una forma de encerrar el infinito.

Mozart dijo una vez, supuestamente, que la música reside en el silencio entre las notas, no en las notas mismas. En el ámbito físico, el silencio es espacio. Y es el espacio mismo lo que Gego iluminó con tanta destreza.

Gego: Midiendo el Infinito estará disponible hasta el 10 de septiembre.